Dayme Paymal: “El rol del arte es hacer visible lo invisible”

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Se halla comprometida con la música, la filosofía y las artes en general, pero desde siempre y definitivamente ha estado orientada a la pintura. Además, demuestra un natural talento para los idiomas, pues habla fluidamente tres (inglés, francés y castellano) y aspira a aprender más. Así es Dayme Mariedith Paymal, la joven (26 años) ganadora del premio Pedro Domingo Murillo, el más destacado en artes plásticas del país, en la especialidad dibujo. Paymal habló con OH! sobre el galardón y algunos de sus singulares proyectos.

Usted es paceña por adopción, pero tiene una ciudadanía notablemente internacional, ¿no es cierto?

Mi historia va así: mi papá es ecuatoriano, de la Amazonía, mi mamá es francesa y yo nací en Quito, pero me vine de niña, a mis 11 años, a La Paz. Tengo tres nacionalidades.

Claro que entre Bolivia y Ecuador hay bastantes similitudes. Hallo marcadas semejanzas entre La Paz con Quito, de Cuenca con Sucre y de Guayaquil con Santa Cruz.

¿Artista desde siempre o se dedicó a otras actividades antes de llegar a esta vocación?

Una gran influencia para mí fue mi abuela. Ella también era artista, de modo que fue así como formó a sus hijos. Siempre había un ambiente de libros de arte, de pintar, de comprar materiales… El arte siempre estaba en el entorno. Luego, ingresé acá a la Academia Nacional de Bellas Artes y luego a la carrera de Artes de la Universidad Mayor de San Andrés (UMSA). Egresé de ambas.

En algún momento pensé en estudiar antropología, pero el peso del arte, cuando te llama, es muy fuerte. Te atrapa.  

¿Quiénes de sus maestros influenciaron más en usted?

En la Academia Nacional de Bellas Artes, en dibujo, recuerdo mucho a Pascual Condori, un gran dibujante. Bueno, allí también me dediqué mucho a la escultura. Ahí un gran maestro que tuve fue Blas Calle. Es realmente un gran escultor y tiene mucha vocación pedagógica.

¿Cómo surgió la idea de “Metamorfosis”, la obra con la que ganó el Pedro Domingo Murillo?

Es parte de los proyectos que se fueron gestando en tantas horas, tantos años de esfuerzo y prácticas en la academia y la universidad. Allí, mientras se hacen réplicas y se aprende estilos empiezan a surgir ideas y más ideas. La universidad es muy demandante para producir obras que no son de una.

Y justamente al salir de la universidad empiezan las oportunidades y surge la necesidad de trabajar en esas creaciones propias. Se han ido gestando, y una de ellas ha sido “Metamorfosis”.

¿Técnicamente cómo lo trabajó?

Es una técnica que empecé a investigar. Está hecha de tierra, es una base de adobe, la misma idea del adobe que usan para las casas. Es un material muy simple, muy barato, tierra. Pero el adobe, bien mezclado, tiene esta posibilidad de que es impermeable, muy resistente al viento y a la lluvia. Entonces, experimentando con eso, me pareció que era muy bueno para los materiales plásticos, es decir, para pasteles, carboncillos y, sobre todo, para la tinta. Es como una superficie que ya es perfecta.

De hecho, quiero ir experimentando más porque hay muchas formas de ir mezclando colores e ir haciendo, por ejemplo, murales. Es interesante el ver, por ejemplo, cómo en algunos monumentos tiahuanacotas hay pigmentos, sobre estructura tipo adobe, que han durado siglos. Mientras que actualmente materiales como el acrílico, muy modernos, no sabemos cuánto durará la pintura. Y, de hecho, el color paulatinamente se apaga. Aquellas son técnicas que tal vez habría que recuperar.

Tengo muchas ideas y planes para trabajar con estas técnicas en el futuro.

¿Y estéticamente cómo explica el cuadro?

La inspiración viene de los tejidos jalq’as (tejidos ancestrales de la región de Chuquisaca). Algo que me fascina y son las enseñanzas desde el arte textil: todo lo que se ve como separado ha venido de hilos invisibles que nos unen. Parte de la misma técnica del tejido, es decir, todo lo que no se ve es fundamental para lo que sí se ve. Usé esa idea en “Metamorfosis”: partir de lo geométrico, al textil y a las figuradas, a los animales que se están representando.

Lo que temáticamente deriva en un mensaje ecologista, ¿no es cierto?

En realidad, en ver que nada está separado, que el ser humano forma parte de la naturaleza y la naturaleza del ser humano. Hemos llegado a una forma de vida en la que consideramos que no somos parte de la naturaleza. Por lo tanto, podemos dañar, explotar o cambiar ecosistemas porque se nos ocurre. Pero eso es ridículo porque nada en la naturaleza funciona de manera separada.

El cuadro está también relacionado con el sentido de unidad. No podemos enajenarnos de la naturaleza, del mundo animal, del entorno, porque somos parte de él. Más bien nuestra misión es prácticamente encontrar cuál es nuestro lugar en todo esto. Hasta ahora hemos actuado como si no perteneciéramos, haciéndole mucho daño.

¿Cuáles son las bases del mensaje que busca transmitir en sus trabajos?

El fundamento viene de la filosofía. Es la relación del individuo con la idea, en un caso con la sociedad, en otro con la naturaleza… Qué es aquello que puede transmitir la forma sin palabras, mediante la imagen. Es lo interesante, es como que las ideas las percibimos entonces hay que darles forma, contexto, color, sentido, armonía, simetría, una serie de cosas que son plásticas…

Vuelvo a esta enseñanza del textil: el rol del arte es hacer visible lo invisible. Lo invisible está en nuestro imaginario, en el subconsciente, en el alma, en percepciones que son muy sutiles.

En ese marco, cuénteme cómo trabaja el proyecto de las barrenderas de la Alcaldía paceña

Es una idea que me surgió cuando estaba en la universidad, en un tiempo que me hallaba estudiando mucho la relación entre el arte y la sociedad. Uno de los grandes poderes del arte, como herramienta, es que nos acerca a la sociedad y muestra aspectos que nadie más está viendo. Ahí es cuando me puse a observar la ciudad, su ritmo y encontré a las barrenderas. Son personajes que pretendo hacer visibles mediante el arte.

 

Ellas son fundamentales para la vida de la sociedad. Que no reconozcamos todo lo que hacen por nosotros, toda la magia que hay en su trabajo, nos hace ignorantes, egoístas, ensimismados y discriminadores.

¿Magia?

Todos los días, de la noche a la mañana, hacen una labor prácticamente mágica. Uno pasa el día, amanece y de pronto todo está limpio. Y está limpio no por nuestra buena educación o por nuestra forma de ser, sino porque hay alguien detrás que está barriendo todos los días las calles. Entonces, al hacer la investigación encontré tantos datos que nos permiten reconocer y ver su trabajo.

La cantidad de “charros”, o sea las escobas que usan, cuántos recogedores tienen que alzar, cuántos kilómetros caminan resulta impresionante. Fíjese que mensualmente todas ellas cubren una distancia equivalente a una ida y vuelta a la Luna en distancias que están limpiando. Uno dice: “¡Cómo no pude comprender ese sacrificio antes!”.

Es lindo ver eso, reconocer cuánto trabajo hay detrás. Este trabajo, invisible, genera bienes sociales como salud, higiene, ambiente. No se reconoce el valor que tiene. La primera parte es justo eso, reconocer su valor, en cuanto a su labor y la otra es reconocer la dignidad humana que implica ese trabajo. Entonces, ahí la exposición consiste en hacer sus retratos, conocer sus historias, ver al ser humano detrás del uniforme. Vemos, primero la labor masiva que hacen y, luego al individuo, a cada una de ellas en particular.   

¿Qué características tendrá la exposición?

Todos los cuadros van a ser pinturas trabajadas en óleo. Quiero adaptar una forma para cada idea. Por ello la técnica será la misma, pero los estilos irán cambiando.

Fecha de Publicación: 18 nov 2019
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